Una pantalla se apaga y, en otro lugar de la sala, aparece un sonido. La luz cambia antes de que sepamos qué debemos mirar. El espacio empieza a organizar nuestra atención mediante acontecimientos que se relacionan en el tiempo. Esa posibilidad permite acercarse al trabajo de Philippe Parreno.
En Mi Mundo Creativo exploramos su obra desde una pregunta especialmente sugerente para la instalación, la videocreación y las artes escénicas: ¿qué ocurre cuando diseñamos una exposición como una experiencia que cambia mientras la recorremos?
Philippe Parreno, nacido en 1964, es un artista francés cuya práctica reúne cine, instalación, escultura, dibujo y texto. Desde los años noventa investiga las formas de narración y representación, con una atención particular a la exposición como medio de creación.
La Fondation Louis Vuitton destaca también el papel de las colaboraciones en su trayectoria. Con Douglas Gordon realizó Zidane: A 21st Century Portrait (2006), un proyecto que desplaza la mirada hacia la experiencia de un jugador durante un partido. La elección de qué mirar modifica la manera de percibir un acontecimiento conocido.
En una instalación podemos decidir dónde colocar una imagen y, además, cuándo aparece, cuánto permanece y qué sucede alrededor. La relación entre esos acontecimientos puede convertirse en una parte central de la obra.
Parreno ofrece referencias para investigar esa dimensión temporal. Una sala puede contener proyecciones, objetos y sonidos que adquieren sentido al relacionarse. El visitante encuentra un estado concreto del conjunto y construye su experiencia durante la visita.
La imagen de un espacio que parece vivo funciona aquí como una metáfora: describe cambios, respuestas y secuencias que transforman la percepción del lugar. Para analizarlos, conviene observar qué elementos actúan, qué los relaciona y cómo se desarrolla su duración.
En Anywhere, Anywhere Out of the World, presentada en el Palais de Tokyo en 2013–2014, Parreno trabajó con la totalidad de los espacios ampliados del centro. La institución describe una dramaturgia donde objetos, música, luces y películas organizan la experiencia de los visitantes.
La arquitectura participaba en el proyecto y el edificio se planteaba como un organismo en transformación. Ese enfoque permite estudiar el recorrido como una relación entre acontecimientos: lo que encontramos en una sala puede cambiar la expectativa con la que llegamos a otra.
Como pregunta de creación, interesa observar qué ocurre entre dos obras. Una transición sonora, un cambio de luz o un intervalo pueden producir continuidad, contraste o incertidumbre. La experiencia se construye también en esos pasos.
Anywhen, la Hyundai Commission de Tate Modern de 2016–2017, transformó la Turbine Hall mediante elementos móviles, proyecciones, configuraciones de luz y entornos sonoros. La documentación del proyecto destaca que cambiaba a lo largo del día y durante el periodo de presentación.
Art Fund explica que las condiciones de una colonia de levaduras participaban en el desarrollo de las secuencias. También documenta Marquee 2016, un elemento del proyecto que producía patrones de luz y sonido a partir de datos y conservaba un registro de su historia de exhibición.
Para una lectura creativa, aparece una diferencia importante: una obra puede variar mediante un sistema de relaciones definido. Investigar esa variación exige decidir qué puede cambiar y qué hace reconocible el conjunto a través de sus distintos estados.
Marilyn (2012) evoca a Marilyn Monroe a través de la suite del Waldorf-Astoria donde se alojó. La Fondation Louis Vuitton describe una presencia reconstruida mediante el punto de vista de la cámara, una voz simulada por ordenador y una escritura producida por un dispositivo robótico.
La película permite preguntar cómo atribuimos una presencia a una imagen, una voz o una huella. El espacio y los mecanismos de representación participan en un retrato donde la ausencia se vuelve perceptible.
Para analizarla, podemos distinguir qué aporta cada canal: qué creemos ver, a quién creemos escuchar y qué cambia cuando reconocemos el dispositivo que produce esas señales.
La Quinta del Sordo (2021), presentada en el Museo del Prado en 2022, es una película de 40 minutos relacionada con las Pinturas negras de Goya. El museo la documenta como una obra en 4K, con sonido binaural, concebida para una experiencia audiovisual en sala.
La fotografía corresponde a Darius Khondji, el montaje a Ael Dallier Vega y el sonido a Nicolas Becker. La memoria del Prado describe además una reconstrucción tridimensional de la casa y el jardín para investigar su acústica.
El proyecto abre una pregunta sobre la relación entre imagen y lugar: cómo una obra audiovisual puede proponer una experiencia espacial de unas pinturas cuyo contexto original ha desaparecido.
Una película en una sala de cine suele ofrecer un comienzo compartido. Una instalación puede recibir a personas que entran en momentos diferentes. Esa diferencia exige pensar qué encuentra alguien al llegar y cómo puede orientarse dentro de lo que ya está sucediendo.
Para un proyecto propio, conviene ensayar varias entradas: durante una proyección, durante un cambio de luz y durante un intervalo. En cada caso podemos observar qué se comprende y qué expectativa aparece.
Una pausa entre imágenes puede dejar espacio para escuchar o descubrir una relación arquitectónica. Su duración necesita una intención concreta. Podemos comparar versiones y preguntar al público qué ha percibido mientras esperaba.
Del mismo modo, una repetición puede permitir reconocer un patrón. Si modificamos un solo elemento en el siguiente ciclo, la memoria de la primera experiencia participa en la nueva. Ese cambio puede ser una herramienta de dramaturgia.
El sonido puede sugerir un acontecimiento fuera del campo visual y orientar la atención hacia otra parte del espacio. Para investigarlo, prueba la misma secuencia con una fuente visible, una fuente oculta y otra situada a distancia.
En la luz, empieza por decidir qué relación quieres establecer entre los elementos. Una variación de intensidad puede acercar la atención a una proyección o hacer perceptible una zona que parecía secundaria. Cada cambio necesita comprobarse desde los lugares que ocuparán los visitantes.
En una creación propia, resulta útil escribir una secuencia antes de elegir equipos. Describe qué sucede y qué relación lo desencadena: termina un sonido, aparece una imagen, cambia una luz, queda un tiempo para recorrer la sala.
Después distingue las partes de duración fija y las que pueden variar. Una prueba sencilla con pocos elementos permite descubrir si las relaciones resultan perceptibles. La complejidad técnica puede crecer a partir de esa evidencia.
Si trabajas con QLab u otro sistema de control, esa partitura puede ayudarte a organizar las señales de tu proyecto. La herramienta se elige según las necesidades de reproducción y sincronización; este es un ejemplo de aplicación propia, sin atribuir ese programa a las obras de Parreno.
Estas propuestas son ejercicios originales para investigar las relaciones entre espacio y tiempo. Puedes desarrollarlas en una habitación o en un pequeño espacio de ensayo antes de plantear una instalación mayor.
Construye una secuencia breve con una imagen proyectada, una luz independiente y dos sonidos. Define un comienzo y un final. Invita a observarla completa y pregunta qué relaciones se han reconocido entre los elementos.
Mantén los materiales, pero permite que cada persona entre en un momento diferente. Escucha qué cree que está ocurriendo y qué necesita para permanecer. Compara las respuestas con las de la primera versión.
Repite la secuencia modificando únicamente un intervalo o el orden de dos acontecimientos. Comprueba si el cambio altera el recorrido de la atención. Documenta qué versión sirve mejor a la experiencia que quieres construir.
Una proyección de gran formato puede impresionar, pero la composición necesita decidir qué relación propone con quien la observa. ¿Queremos invitar a permanecer, a desplazarse o a descubrir algo que al principio no era evidente?
La respuesta afecta a la duración, la disposición espacial y la cantidad de información simultánea. Un ensayo con visitantes permite revisar estas decisiones desde la experiencia real del recorrido.
Para documentar un proyecto propio, registra al menos una transición completa. Mostrar el paso de un estado a otro ayuda a comprender que el tiempo participa en la obra. Un plano más amplio puede situar la relación entre pantalla, luz y espacio.
También puedes compartir una comparación de versiones y una pregunta concreta: ¿cuándo empieza a sentirse la presencia del sonido? Ese enfoque invita a mirar decisiones de creación y ofrece una entrada al proyecto más allá de una imagen espectacular.
En Mi Mundo Creativo, esta investigación puede dialogar con Francis Bacon y la tensión entre figura y espacio. Son medios distintos que permiten estudiar cómo se organiza la atención y qué relaciones construimos dentro de una imagen o de una sala.
Si pudieras transformar una habitación mediante tres acontecimientos, ¿qué querrías que alguien descubriera al permanecer en ella?
Las exposiciones se utilizan como referencias históricas. Las propuestas de diseño y ensayo son aportaciones editoriales de este artículo.
